Raoul Björkenheim, Morgan Ågren & Bill Laswell - Blixt (2011)

Una propuesta cargada de potencia y crudeza llega de la mano de Blixt, power trío, compuesto por tres grandes músicos de la escena ligada al jazz, la experimentación y la música de vanguardia de las últimas décadas: el guitarrista de origen finlandés Raoul Björkenheim, el sueco Morgan Ågren en batería y el multifacético y versátil Bill Laswell en bajo.

De los tres músicos, la figura de Laswell es, claramente, la más reconocida y renombrada. En sus más de treinta años de carrera como músico, compositor y productor, ha encabezado y formado parte de numerosos proyectos, siempre en el plano de la fusión y la experimentación de diversos estilos. Entre ellos, podemos mencionar ambient, jazz experimental, dub, grindcore metal, world music y coqueteos con la música hindú. Entre sus proyectos destacados, se encuentran Material, Massacre, Divination, Tabla Beat Science, The Golden Palominos y el reciente The Blood of Heroes del año 2010, sólo por mencionar algunos.

Por su parte, el guitarrista Raoul Björkenheim, se ha destacado por su colaboración con el baterista de jazz finlandés Edgard Vesela y sus proyectos Krakatau y Scorch Trio, ambos ligados al jazz más experimental y vanguardista. Por último, el baterista Morgan Ågren, más conocido por su trabajo en Mats/Morgan Band, junto al tecladista Mats Öberg, ha colaborado en su carrera de más de veinte años, con artistas como Steve Vai, Terry Bozzio, Glen Hughes, Kaipa y Fredrik Thordendal de Meshuggah.

El debut de “Blixt”, que significa relámpago en sueco, se compone de diez cortes que no traspasan los 50 minutos de duración. Cada una de estas piezas, nacidas en gran parte de la improvisación y algunos riffs pre-concebidos, fueron grabadas en vivo en el estudio de Laswell en 2010 y casi no cuentan con elementos de post-producción.

El álbum en general fusiona sonidos del jazz, rock, metal y la experimentación, generando una sonoridad de un peso y una presencia totalmente devastadora. Las composiciones en su mayoría oscuras y pujantes, están organizadas y presentadas en bloques según su intensidad... (seguir leyendo)

Blixt

Dub Trio - IV (2011)

El potente y característico sello del grupo de Brooklyn, Dub Trio, regresa este 2011 con su cuarta placa, titulada simplemente “IV”, la más directa y agresiva hasta la fecha. Las composiciones grabadas en junio del 2010, son fruto de una larga gira de dos años y medio, que comenzó con la promoción de su disco anterior “Another Sound is Dying” en compañía de Mike Patton, finalizando con el trabajo como banda soporte de Matisyahu, el cantante de reggae, judío-estadounidense, con quien visitaron Chile en abril del año pasado.

Con “Another Sound is Dying”, el trío tuvo la posibilidad de abrirse a un público algo más masivo al formar parte del sello Ipecac Recordings, dando que hablar el año 2008 con su particular y enérgica mezcla de hard rock, psicodelia, ritmos intrincados y reverberantes. Con “IV”, el trío regresa a su casa discográfica ROIR, con un disco que básicamente se mueve por los mismo cánones, pero con una actitud mucho más cruda, potente y más cercana al metal que al dub.

En relación a lo anterior, una de las características que más llama la atención del trío, es la forma en que abordan este último género, ya que es trabajado como un concepto global y no simplemente, como un estilo derivado del reggae. El sonido de la banda se nutre de tantos elementos, que es poco lo que podemos reconocer de ese particular sonido jamaicano.

Cada uno de los integrantes del grupo, cuenta con controladores y efectos conectados en serie, los cuales permiten interferir y manipular el sonido de cada uno de ellos. De esta forma, el trío va creando y experimentando in situ con sonoridades dub, de reverberancias, delays y golpes a contratiempo, todo esto fusionado con la versatilidad con herencias del rock, punk, metal y noise, forjando un sonido único... (seguir leyendo)

IV

Tim Berne - Insomnia (2011)

Una inédita grabación lanzada este año por el sello portugués Clean Feed, trae de regreso el nombre del saxofonista estadounidense, Tim Berne. Uno de los personajes íconos de la vanguardia y jazz moderno de los últimos treinta años, líder de numerosos proyectos y colaborador de varios otros músicos importantes de la escena, como Bill Frisell, John Zorn y Nels Cline, presenta fortuitamente, una verdadera pieza de colección, que llega para ampliar su interesante discografía.

La grabación, titulada “Insomnia”, debió esperar catorce largos años para que pudiera ver la luz, ya que fue registrada en 1997. Este registro, totalmente desconocido hasta la fecha, pertenece a la época del clásico cuarteto Bloodcount, formado por Michael Formanek en bajo, Jim Black en batería, Chris Speed en clarinete, Tim Berne en saxofones y, en ocasiones especiales, Marc Ducret en guitarra. Sin embargo, esta particular grabación cuenta con una formación inusual. Además de los músicos nombrados, se le suman Baikida Carroll en trompeta, Dominique Pifarély en violín y Erick Friedlander en cello, conformando un octeto del cual no se tenían registros previos.

“Insomnia”, se compone de dos extensas piezas de media hora de duración aproximada. El primero de los cortes, “The Proposal”, es una composición inédita no aparecida hasta el momento en ningún formato. Al contrario, “Open, Coma”, fue publicada el año 2001 en una versión distinta, ejecutada por otra de las formaciones de Berne... (seguir leyendo)

Insomnia

Amon Tobin - Isam (2011)

Tras cuatro años desde su último trabajo, el destacado e influyente músico de la electrónica, Amon Tobin, regresó con su nuevo proyecto, “Isam”. A pesar de que, en líneas generales, sigue los pasos musicales y técnicos de su antecesor “Foley Room” de 2007, el disco trae consigo un interesante complemento visual, que marca una nueva innovación del brasileño, en el campo de la electrónica y la performance en vivo.

“Isam” fue gestada en la mente de Tobin, como una obra que se nutre de distintos elementos artísticos, plasmados en una potente y completa labor audiovisual. Por un lado, cuenta con la colaboración de la artista Tessa Farmer, quien realizó una instalación de esculturas, llamada “Control Over Nature”, creada a partir de trozos de material orgánico como raíces, huesos, insectos y animales muertos. Estas creaciones, logran captar, a la perfección, las temáticas del disco: la privación sensorial, situaciones de desorientación y la mecanización de los elementos naturales.

El propio Tobin, haciendo referencia al trabajo en conjunto con la artista, relata: “los dos estamos reorganizando y aumentando los elementos naturales, para hacer algo imaginado, pero tangible. Ambos estamos explorando nuevos usos para materiales familiares, o en el caso de Tessa, criaturas familiares”. La instalación fue montada y expuesta en galerías de Londres y París, y es presentada además, en un libro de edición limitada que contiene el registro fotográfico de las esculturas y la instalación. Muestra de aquello, es la mismísima portada del disco.

Por otra parte, la puesta en escena llama en demasía la atención. Ésta consta de una asombrosa estructura gigante, fabricada de cubos de pantallas led, creadas en base a proyecciones 3D, sincronizadas con la música a tiempo real y controlados mediante un software. Al centro de toda esta instalación, en una cabina simulando una nave espacial, está ubicado Amon Tobin, quien dirige desde ahí la surrealista presentación en vivo.

Sin duda, que este trabajo, recuerda la imponente estructura de “The Wall” de Pink Floyd, -por supuesto guardando las proporciones-, combinado con la tecnología del “Live: Beside You in Time” de Nine Inch Nails. En este sentido, el show de “Isam” llega a un nivel superior, transformándose en una experiencia visual única, que marca un nuevo concepto de proyección multimedia... (seguir leyendo)

Isam

Umbría en Kalafate (2011)

Una mixtura de intensos colores sonoros y psicodelia, trae de regreso el sonido post rock porteño de los nacionales, Umbría en Kalafate. La banda, formada por Nara (Cristian Bustamante) y Carlos Beto Soutullo en guitarras, Pax Mercadal en bajo, Alex Waghorn en batería y Omar Fortín en theremin y sonido, es un proyecto clave de la escena de Valparaíso, con una trayectoria de diez años. Son reconocidos por su particular sonido, -mezcla de folklore, experimentación, energía y actitud rockera-, que plasman en lisérgicas presentaciones en vivo, caracterizadas por incluir volátiles proyecciones.

“La Muerte de los Árboles”, el cuarto disco de la agrupación, fue registrado el año pasado en un par de días, y grabado íntegramente con el quinteto tocando in situ. Nada de grabaciones de pistas por separado, sólo sesiones grupales, que permitieron captar el sonido del grupo en directo.

Su título nace de una musicalización, que la banda hizo, hace un par de años, de una obra de danza-teatro Butho. Una de las escenas, se titulaba “El Renacer de los Árboles”. El grupo decidió cambiarlo por “La Muerte de los Árboles”, como una contraparte a uno de los cortes del disco anterior, “Efecto Katapilco” (2009). También, como una forma de representar lo que ocurre en la actualidad: la destrucción de ciertos elementos, la naturaleza, la vida, la esencia, la desvirtuación de la política... (seguir leyendo)

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Bill Frisell & Vinicius Cantuária

Cuando dos talentos musicales se unen, el resultado esperado genera altas expectativas, más aún cuando cada uno de ellos, contribuye con su mirada particular de la música: un sello propio, un lenguaje basado en el o los estilos que cultivan o la influencia de la cultura en la cual está inserto. Una vez que todos estos ingredientes están presentes, la consecuencia se vuelve aún más interesante.

Este es el caso de la reunión del guitarrista estadounidense Bill Frisell y el brasileño Vinicius Cantuária. El primero no necesita mayor presentación, compositor y guitarrista icono del jazz de vanguardia de los últimos años. El segundo, cantante, compositor, guitarrista y percusionista, quien a lo largo de su carrera, ha colaborado con una larga y variada lista de músicos como Caetano Veloso, Arto Lindsay, Laurie Anderson, Brian Eno, David Byrne y Chico Buarque.

A través de largos años de colaboración mutua, podemos encontrarlos juntos en los discos “The Intercontinentals” de Frisell del año 2003 o en “Samba Carioca” de Cantuária de 2010, en donde ambos contribuyen como músicos invitados. “Lágrimas Mexicanas” es, sin embargo, la primera instancia de trabajo en conjunto, con piezas compuestas y ejecutadas en su totalidad a dúo.

La idea central del disco, tiene su génesis en la experiencia multi-cultural con la que se encontró Cantuária al llegar a Nueva York. La variada comunidad de latinos provenientes de distintos países como Puerto Rico, Colombia, Cuba, Venezuela, entre otros, lo influenciaron tanto en el idioma como en los ritmos característicos de las distintas culturas de cada país, sin dejar de lado los sonidos propios de la calle y los ambientes de la gran ciudad.

En líneas generales, “Lágrimas Mexicanas” se trata de un disco bastante sentimental, con letras en su mayoría en español -también en portugués e inglés-, que hablan de amor y esperanza, inspiradas en estos latinos que viven en Estados Unidos. Estas líricas se sustentan en ritmos suaves, pero que constan de mucho sabor y cadencia, los cuales son adornados por el reconocido sello de Bill Frisell, plasmado de efectos volátiles y texturas atmosféricas... (artículo completo)

Lágrimas Mexicanas

Trostrigo - Celebra (2010)

Rodrigo Jorquera, alias "Trostrigo" es un cantautor chileno oriundo de Rancagua, que actualmente reside en Buenos Aires.

Celebra, es un disco de canciones simples, pero con mucho contenido y de belleza innegable, líricas intensas cantadas con su particular voz, la cual se acompaña básicamente de guitarra y percusión.

"Celebra tu derrota, que hay que seguir el juego, de mentiras, con disfraz de lo correcto. Celebra codicia, avanzo un par de pasos, celebra hay nuevos muros, que no pueden ser saltados. Celebra te vaciaron, vendieron tu alma a lo falso, celebra usaron tus manos, tu mente e intenciones sublimaron, a lo falso"


Hágase un favor y deténgase a escucharlo!!!

1 - Nana
2 - Fffuuuhh
3 - Celebra
4 - Loquedices
5 - Aunquesea
6 - Dibujo
7 - Derrama
8 - Susurro

CELEBRA!!!!

Yellowjackets - Timeline (2011)

“Timeline”, el nuevo trabajo de la agrupación de jazz estadounidense Yellowjackets, trae consigo dos sucesos importantes. El primero es el regreso del baterista Will Kennedy, quien fuera parte de la banda entre los años 87 y 99, al cual el mismo Bob Mintzer, en la reciente entrevista para Rockaxis, cataloga simplemente como “el baterista de Yellowjackets”. Su llegada, sin duda ha jugado un rol esencial en la concepción de este reciente disco.

Por otro lado, el segundo y más significativo de los acontecimientos, es por supuesto la celebración de los 30 años de trayectoria ininterrumpida de la banda, que representa un notable ejemplo de constancia y entrega, en tiempos en que lo comercial y pasajero, pareciera ser más importante. En Yellowjackets la pasión, esencia y dedicación, se mantienen intactas; por lo mismo se valoran y se aprecian con respeto.

Este trabajo, el número veintiuno en la carrera de la banda, debuta además en una nueva casa discográfica, el sello de jazz, Mack Avenue Records. De esta forma, los emblemáticos Russell Ferrante en piano y teclados, Jimmy Haslip en bajo eléctrico, Bob Mintzer en saxos soprano y tenor, clarinete bajo y ewi, y Will Kennedy en batería, regresan para entregarnos un disco de gran calidad, que confirma la vigencia de la agrupación en esta nueva década... (seguir leyendo)

Timeline

Rob Mazurek - Calma Gente (2010)

El siempre deleitante universo sonoro del cornetista Rob Mazurek, está plasmado en su última placa solista "Calma Gente", editada sólo para Japón y Brazil.

A lo largo del disco colaboran integrantes de la "Exploding Star Orchestra", "Hurtmold", "São Paulo Underground", "Black Earth Ensemble", entre otros.

1. Mula sem cabeça
2. Obliqua
3. The passion of yang kwei-fe
4. Three reasons not to blow up the world
5. Purple sunrise
6. Car chase
7. Flow my tears and last forever
8. Barriga da bailea
9. Flamingos dancing on the rings of saturn

Quiet People!!!

Trey Gunn & Marco Minnemann - Modulator (2010)

Cuando Trey Gunn recibió la propuesta del eximio Marco Minnemann de musicalizar uno de sus solos de batería, la idea le pareció, en un comienzo, totalmente absurda y la rechazó de forma inmediata. El sólo hecho de pensar en la complejidad rítmica del baterista, lo hacían resistirse al ofrecimiento. A pesar de esto, tras la insistencia de Minnemann y luego de darle varias vueltas en su cabeza, terminó por acceder.

Sin duda, el proyecto que el percusionista tenía en mente, era complejo y ambicioso. La materia prima consistía en un extenso solo de batería de 51 minutos, grabado en enero del año 2006. Una vez que el stickista tuvo en su poder el audio de la grabación, la difícil misión de la musicalización y el logro de un óptimo resultado, dependían sólo de su creatividad y responsabilidad.

De esta forma, comenzó a forjarse la historia de “Modulator”, la cual tiene como mayor particularidad, la instancia de tener dos núcleos creativos totalmente distintos. Por un lado, la frescura de la improvisación, la cual a pesar de tener momentos premeditados y practicados, corresponde a la inquietud y ánimo del momento en que se realizó la grabación. Al contrario, su meticulosa segunda parte, por obligación tuvo que ser calculada, estudiada y reflexionada en cada uno de sus pasajes.

El extenso solo de batería, después de pasar por distintas fases y un arduo trabajo de por medio, se convirtió en 22 piezas, las cuales, haciendo alusión a su título, van mostrando las modulaciones que van naciendo de este largo viaje. Si tomamos en cuenta todo lo que significó llegar a conseguir una obra musical que sonara íntegra y compacta, sin duda el resultado obtenido por Trey Gunn es realmente óptimo... (seguir leyendo)


Modulator

Exploding Star Orchestra - Stars Have Shape (2010)

Si con su primer trabajo ‘We Are All From Somewhere Else’, el colectivo de músicos de Chicago, Exploding Star Orchestra, irrumpió en la escena avant-jazz, sorprendiendo con su particular propuesta, con su segunda placa, en compañía del legendario trompetista Bill Dixon, revalidaron su grandeza, con un trabajo superlativo. Además, fue uno de los últimos registros de Dixon antes de fallecer. Con ‘Stars Have Shapes’, su tercer álbum, la orquesta se consolida como uno de los mejores proyectos del jazz y la vanguardia de los últimos años.

Y es que el colectivo dirigido por el destacado músico Rob Mazurek, es dueño de un concepto y un universo sonoro exclusivo, el cual a pesar de estar nutrido de influencias del clásico free jazz, tiene una visión y un sello totalmente actual, además de un aire espiritual y volátil característico y arraigado en su sonido.

Al igual que su primera placa, este nuevo disco cuenta con grabaciones ambientales reales, las cuales están insertas sutilmente, como un instrumento más. Es así como el sonido de anguilas eléctricas, la lluvia en el Amazonas brasileño, el martilleo de una bicicleta al andar, insectos rondando mientras ocurre un eclipse, además de instrumentos preparados, se funden con el sonido característico de instrumentos tradicionales tales como piano, vibráfono, clarinete, trombón, flauta, saxos, corneta, batería y percusión, entre otros... (seguir leyendo)

explosión de estrellas!

Congreso - Con Los Ojos en la Calle (2010)

Al fin, la larga espera terminó. Nueve años han pasado desde el gran disco titulado “La Loca Sin Zapatos”; nueve años para volver a reencontrarnos con material nuevo, de esta gran banda nacional que es Congreso. Y a pesar de que mucho ha cambiado, en casi una década, la legendaria agrupación reafirma su vigencia este bicentenario, con una nueva formación, pero con la esencia conservada de forma intacta.

De esta forma, las composiciones y batería de Sergio “Tilo” González, la pluma de Francisco “Pancho” Sazo, en compañía de los ya clásicos integrantes Hugo Pirovich en percusiones, vientos y coros; los saxos de Jaime Atenas y la percusión y marimba de Raúl Aliaga, además de Sebastián Almarza en pianos y teclados, -quien es parte de la formación desde la muerte de Jaime Vivanco-, reciben a Federico Faure en bajo y contrabajo, quien se integra tras la partida de Jorge Campos hace un par de años atrás.

“Con Los Ojos en la Calle”, trae de vuelta lo más característico de Congreso: líricas sobre lo cotidiano, el día a día de personas comunes y corrientes, contadas en formato canción, con melodías sinceras y ritmos estimulantes. El disco grabado el año pasado en la ciudad de Santiago, fue mezclado en Río de Janeiro, Brasil, por Álvaro Alentar. Cuenta con doce cortes, que como es habitual, nos presentan una exquisita fusión chilena de ritmos latinos, esencias de música étnica y toques de jazz... (leer completo)

Terje Rypdal - Crime Scene (2010)

A cuatro años de su última entrega como solista, el compositor y guitarrista noruego Terje Rypdal, saca a la luz este 2010 un “thriller” sonoro, titulado “Crime Scene”. Se trata de una intensa obra formada por catorce cortes, que representan imágenes en donde el misterio y el peligro nocturno se aúnan, para dar vida a un producto escalofriante y atmosférico, que toma vida propia en cada una de sus escenas, trayendo de vuelta su interesante y exquisita propuesta sonora.

Al igual que “Vossabrygg” del año 2006, el cual fue registrado durante una presentación en vivo, “Crime Scene”, fue grabado de su actuación en el Bergen’s Natjazz Festival de Noruega en mayo del año 2009. Y si su antecesor rendía un homenaje a Miles Davis y su aclamado “Bitches Brew”, para esta ocasión Rypdal quiso evocar la intensa comunicación creada por los saxos de John Coltrane y Pharoah Sanders.

Para lograr lo anterior, el guitarrista acompañado por sus colegas de antaño Ståle Storløkken en órgano Hammond, Paolo Vinaccia en batería y Palle Mikkelborg en trompeta, se unieron para trabajar junto a la Bergen Big Band, una gran orquesta de jazz compuesta por 17 músicos, dirigida por el flautista Olav Dale. Esta agrupación llamó desde un comienzo la atención de Rypdal, tanto por el estilo cultivado por el colectivo, como por el característico sonido, color y textura que provoca la acción de triplicar los clarinetes bajos. Un recurso sin duda interesante para el compositor, que no dudó en hacer uso de sus posibilidades sonoras en esta nueva concepción musical... (seguir leyendo)

Escenas del crímen

Pat Metheny - Orchestrion (2010)

Uno de los álbumes más innovadores del año en materia tecnológica es, sin duda, el nuevo trabajo del guitarrista estadounidense, Pat Metheny. Este ambicioso proyecto llamado “Orchestrion”, fruto de una importante labor previa junto a un equipo de profesionales, llega para redefinir el concepto de disco solista.

“Orchestrion”, en palabras sencillas, corresponde a una gran orquesta de instrumentos acústicos y electroacústicos, a simple vista, capaces de tocarse solos, es decir, sin la necesidad de convocar músicos para su ejecución. Su funcionamiento se resume a tecnología electromagnética, generada por medio de bobinas llamadas solenoides, las cuales se abren y cierran a diferentes velocidades. Por supuesto, para que todo esto se ponga en marcha, previamente, la música interpretada por Metheny y su guitarra, es leída por un ordenador MIDI, el cual descifra cada una de las notas con su respectiva duración e intensidad, para luego ser transmitida a los distintos instrumentos dispuestos... (seguir leyendo)

Egberto Gismonti - Saudações (2009)

No hay duda que el 2009, estuvo marcado por la presencia del gran compositor y músico brasileño Egberto Gismonti, con un disco que trajo de vuelta, luego de largos años, toda la maestría, pasión y belleza de su particular visión compositiva. “Saudações”, traducido al español como “Saludos”, es un trabajo integrado por dos álbumes totalmente distintos entre sí, tanto en su estructura, como en su formato de alineación e instrumentación, que dimensionan y muestran la genialidad de Gismonti en su faceta de compositor y eximio instrumentista.

El primer disco titulado “Sertões Veredas – Tribute à Miscigenaçao”, está compuesto por una suite de setenta minutos dividida en siete movimientos, ejecutados por la Camerata Romeu. Esta agrupación de cuerdas, dirigida por Zenaida Romeu, está constituida exclusivamente por mujeres y se dedica completamente a la ejecución de música de América del Sur, punto importante al momento de darle vida a la composición de Gismonti, la cual fue grabada en agosto del año 2006 en el Teatro Amadeo Roldán de la Havana, Cuba.

El segundo álbum, grabado en abril y mayo del año 2007 en Río de Janeiro, corresponde a un dúo de guitarras junto a su hijo Alexandre, con el cual hace un recorrido por diferentes composiciones de su autoría a lo largo de los años, además de tres piezas nuevas... (leer completo)

CD1
CD2

Fatiga de Material - EP (2009)

Fatiga de Material es una banda viñamarina de rock instrumental, formada el año 2007 por Bernardo Naranjo en guitarra y Diego Valderrama en batería. Después de pasar por diferentes formaciones, la llegada de la bajista Nataly Gandarillas a fines del 2008, completa y consolida la alineación final de la agrupación de la V región.

De esta forma, el trío lanza este 2009 su primer EP compuesto por cinco cortes que transitan directamente por los terrenos del post-rock y que, en general, se caracterizan por ser pujantes y enérgicos. Estos, además presentan una continuidad entre sus finales e inicios, particularidad que genera la sensación de que se tratase sólo de una extensa pieza, la cual se conforma de breves pausas y vuelcos en su camino. De este modo, las composiciones toman distintos pasajes en su desarrollo, originando, casi en su totalidad, un sentimiento agobiante y denso, el cual ejemplifica y hace honor al nombre de la banda... (leer completo)

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Beak> (2009)

Cuando Portishead regresó de sus largos años de silencio con el disco “Third” en 2008, Geoff Barrow comentó que una de las inspiraciones más importantes que lo impulsó nuevamente a crear música, fue el redescubrimiento del krautrock, sobre todo de bandas como Can y Neu!. Pues bien, el ímpetu creativo no se acabó y la influencia alemana se hace más patente que nunca, en este nuevo proyecto del productor y multi-instrumentista de la banda trip-hop... (seguir leyendo)

Beak!

Cougar - Patriot (2009)

Cougar es una banda estadounidense, autodefinida como “rock de emergencia”, debido a la urgencia emocional que sus integrantes plasman en la música, la cual está pensada como una válvula de escape en respuesta a los tiempos actuales. Si nos referimos en términos musicales cotidianos, su propuesta sonora se mueve por los caminos del post-rock con matices de indie y electrónica.

Oriundos de Wisconsin, este quinteto formado el año 2003, está compuesto por los guitarristas Trent Johnson, Dan Venne y Aaron Sleator, este último también a cargo del sintetizador y laptop; Davis Henzie-Skogen en batería, percusión y beats y Todd Hill en bajo. Su debut discográfico “Law”, lanzado el año 2006, fue mezclado por John McEntire de Tortoise, recibiendo una buena acogida por parte del medio especializado.

Este 2009 la banda presenta su segundo disco titulado “Patriot”. En líneas generales es un trabajo que mezcla sonidos potentes de guitarras distorsionadas y técnicos pasajes baterísticos, con momentos de suavidad formados por arpegios y sintetizador, ambas propuestas acompañadas por sonidos de electrónica. La música resultante sugiere dos cuadros que están en constante convivencia: por un lado, la era tecnológica y digital que vivimos hoy en día, versus, la evocación de paisajes naturales y contemplativos... (seguir leyendo)
Patriot

Fred Frith - Eleventh Hour (2005)

Esperando la visita de Frith...

“Eleventh Hour”. Se trata de música compuesta especialmente para instrumentos de cuerdas. Si bien, la creación de estas piezas van desde 1990 al 2001, recién el año 2005 fueron compiladas y lanzadas en este trabajo...

Hace algunos años se le preguntó a Frith porque no escribía para un cuarteto de cuerdas, idea que en ese entonces le pareció bastante absurda, más que nada por el concepto de compositor de música docta, lo que hacía que se sintiese incapaz, o no estar al nivel para componer dicho tipo de música. Después de un tiempo, por fin se decidió y comenzó a crear y escribir; una vez iniciado el trabajo este lo entusiasmo, y así dejándose llevar por su gusto e imaginación sin límites es como nace la obra “Lelekovice”, la que precisamente da inicio al disco. Interpretada por el cuarteto Arditti, formado por Irvine Arditti y Graeme Jennings en violines, Ralf Ehlers en viola y Rohan de Saram en el cello, esta escalofriante composición, dividida en nueve movimientos, se mueve por pasajes amplios, sonidos tensos y melodías oscuras, muchas veces nerviosas y punzantes, cómo queriendo expresar una rabia o impotencia contenida. Otras veces es más reposada, pero con un toque de dramatismo y líneas agónicas, que entregan una angustiosa sensación de vértigo... (seguir leyendo)

CD2

Faith No More en Chile - Estadio Bicentenario 30 de octubre 2009

Audio de la radio Futuro:

Enjoy!!!

mp3 track x track:
Link

John Zorn - O'o (2009)

El prolífico compositor y saxofonista John Zorn, no cesa de sacar a la luz sus múltiples obras compositivas y numerosos proyectos musicales. Tal como ha sido la tónica a lo largo de su carrera, desde el año 94 hasta la fecha, podemos encontrar en su discografía un promedio de cinco discos lanzados por año, sin contar la numerosa cantidad editada a partir del año 80. Como podemos darnos cuenta, a lo largo de estas tres décadas de música ha generado un extenso y variado legado musical.

Durante el transcurso de este 2009, Zorn ha publicado entre otras cosas, la cuarta entrega del libro titulado “Arcana”, que recoge su visión personal junto a la de otros músicos, relatando experiencias, historias y ejemplos, en relación a sus composiciones y a la música de la actualidad. En materia discográfica ha lanzado una serie de álbumes, entre los cuales encontramos el volumen número 23 de los reconocidos “Filmworks”, la doceava parte de “The Book of Angels”, “Alhambra Love Songs” y “O`o”, el elegido para esta revisión.

Presentado como la continuación de los discos “The Gift” del año 2001 y “The Dreamers” del 2008, “O`o” muestra, al igual que sus antecesores, el lado más accesible de la música creada por el neoyorkino. Su título está tomado de un ave extinta en la zona de Hawai y tal como lo presenta su portada, el disco en general se caracteriza por su colorido, matices y fusión de estilos los cuales pasan por el jazz, calipso, música surf, escalas arábicas, rock, entre otras cosas, los cuales se funden mayormente en cálidas y entretenidas melodías, acompañadas por cadenciosos ritmos... (leer completo)

O'o

Ryuichi Sakamoto - Out Of Noise (2009)

Esta década ha sido imparable para el multi-artista japonés, Ryuichi Sakamoto. A sus variados discos como solista, ha sumado numerosas colaboraciones con músicos de la talla de Alva Noto, David Sylvian y Fennesz. Su condición de ser uno de los músicos más respetados de su país -casi un embajador de la música japonesa-, no ha hecho más que crecer en los últimos años, revitalizando en nuevas generaciones el legado de Yellow Magic Orchestra y de su admirable obra solista, que ha combinado la más perdurable electrónica contemporánea, con música clásica, soundtracks, ópera, experimentación y música tradicional, no sólo japonesa, sino que también de las más disímiles latitudes del orbe.

A pesar de todas las loas y galardones que ha obtenido por sus soundtracks, el Sakamoto más recóndito y personal se encuentra en sus discos solistas. En ellos mezcla un sentido contemporáneo de la música clásica, con un concepto de largo alcance de la electrónica, siempre concebida como obra de arte antes que como proceso. “Out Of Noise” va de un minimalismo estático y nostálgico, hasta una electrónica más subterránea y cerebral. Para este objetivo, Sakamoto utiliza, como un pintor elige sus colores y pinceles, el sonido de un piano solitario, un cuarteto de chelos, sintetizadores, procesos electrónicos y samplers, para crear un álbum de una profundidad envolvente y cristalina... (seguir leyendo)

John Coltrane - Interstellar Space (1967)

En homenaje a Rashied Ali.

Hablar de John Coltrane es hablar de pasión, devoción, entrega, compromiso, espiritualidad, música cien por ciento pura sacada de lo más profundo del alma, y es por supuesto, hablar de historia. Una historia que en parte se vio forjada junto a grandes como Dizzy Gillespie, Thelonius Monk y Miles Davis, pero fue en la década de los 60 cuando Coltrane logra una repercusión importante y trascendental en el mundo del jazz. Luego de alejarse de las filas del afamado quinteto de Miles Davis, con el cual graban el importante “Kind Of Blue”, Coltrane forma su propio grupo, acompañado por McCoy Tyner en piano, Jimmy Garrison en contrabajo y el gran Elvin Jones en batería, dando inicio a uno de los cuartetos más importantes de la historia del jazz y además, a la época más creativa y alabada de Coltrane. Un período marcado fuertemente por la espiritualidad, mezclado a elementos del jazz modal, hard bop y del free jazz, matriculándose con extensos solos de más de 30 minutos.

Personalmente John Coltrane es uno de mis músicos favoritos y referirme a él, es sin duda un gran honor. Su música tan regocijante, tan abierta e inspirada, que me marcó profundamente cuando escuché por primera vez su magistral obra “A Love Supreme”, un álbum completamente maravilloso, intenso y espiritual, reconocido por muchos como la gran obra de Coltrane, grabada junto al extraordinario cuarteto antes mencionado

Es precisamente este disco el que cierra la etapa que para muchos corresponde a la más importante. Sin embargo, los siguientes dos años dieron a luz al período más extremo, experimental y vanguardista, con un nuevo grupo, esta vez un quinteto formado por Pharoah Sanders en saxo, Rashied Ali en batería, su esposa Alice Coltrane en piano y como único miembro anterior, Jimmy Garrison. Con esta formación Coltrane exploró por infinitos lugares del cosmos y el espacio, plasmando estos viajes en discos como "Stellar Regions" y "Expresion".

A pesar de ser de este mismo período, el álbum "Interstellar Space" elegido para esta ocasión, se trata de un trabajo a dúo junto al baterista Rashied Ali, grabado en febrero del año 1967. Consiste en una exploración sónica total que resalta por la crudeza de su sonido, el constante fluir de ideas, la complejidad y energía de los fraseos, que hacen de este disco una muestra magistral y escalofriante de improvisación extrema, energizante y volátil... (leer artículo completo)
A volar!!!

Zu - Carboniferous (2009)

La potencia del trío italiano Zu quedó marcada con sangre durante la hora en que se presentaron en el Movistar Arena, en el marco del festival Pepsi Fest. Jacopo Bataglia (batería), Massimo Pupillo (bajo) y Luca T. Mai (saxofón), ciertamente que dieron clases de cómo conquistar a una audiencia que, en su mayoría, quería ver cómo Mike Patton lideraba a este verdadero terceto del infierno.

Lo cierto es que los peninsulares europeos son, en su década y algo más de historia, una de las agrupaciones de avant-garde más reconocidas del viejo continente, sobre todo por su infalible cruce entre un jazz deforme, un metal extremo y arreglos extraídos del krautrock como nunca un grupo los puede haber tenido. Eso fue lo que encontró el viejo Mike cuando, en su gira junto a Melvins por Italia, los descubrió. Luego los contrató y, finalmente, editaron este “Carboniferous” para su sello Ipecac... (seguir leyendo)
Carboniferous

Tortoise - Beacons Of The Ancestorship (2009)

Valió la pena la espera de cinco años desde “All Around You” de 2004. La banda estadounidense regresó con un buen disco, que exhibe en once nuevas composiciones, ese sentido musical único y flemático, que los ha convertido en una de las agrupaciones líderes del rock experimental de la última década. A pesar de estos cinco años, que en una primera apreciación parecen bastante largos, el quinteto de Chicago no sólo se mantuvo activo girando y participando en variados festivales, sino que también, editando dos trabajos de no menor interés: El álbum de covers con Bonnie “Prince” Billy, “The Brave And The Bold” y el box set de cuatro discos, “A Lazarus Taxon”.

En esta entrega, el conjunto que definió el post-rock a mediados de los 90, profundiza su estilo tan peculiar, pero también lo abre hacia nuevas dimensiones. Su sonido no se agota, sino que está abierto a incontables posibilidades de apertura y evolución. Al rock desprejuiciado, casi matemático, de imposible clasificación y, al mismo tiempo, muy distinto al estilo emocional de muchos de sus contemporáneos post-rock, Tortoise dispone una paleta estilística, que aunque toma para sí elementos de numerosas corrientes, finalmente logra un sonido unificado e identificable exclusivamente con ella... (seguir leyendo)

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Rob Mazurek - Sound Is (2009)

Rob Mazurek, el prolífico artista visual y compositor tras numerosos proyectos como Chicago Underground, Isotope 217, Mandarin Movie, Sao Paulo Underground y la Exploding Star Orchestra, regresa este año con nuevo material, en esta ocasión, simplemente bajo el nombre de Rob Mazurek Quintet.

El álbum, titulado “Sound Is”, consta de catorce cortes creados en su totalidad por Mazurek, quien se acompaña de habituales camaradas –la mayoría pertenecientes a Exploding Star Orchestra- entre los cuales encontramos al baterista de Tortoise John Herndon, Jason Adasiewicz en vibráfono, Matthew Lux en bajo y Josh Abrams en contrabajo y piano, a lo cual se suma, por supuesto, Mazurek en corneta, piano y electrónica... (seguir leyendo)

“El sonido es”, lo que cada uno piensa y quiere que sea, es totalmente subjetivo y puede provenir de cualquier elemento. Basta con darle significado y sentido para que se convierta en música. Incluso el silencio forma parte del sonido y de la música. “Sound Is”, es la propuesta sonora de Mazurek, su concepción del sonido, el cual abarca desde la belleza y delicadeza, al caos y la exploración. Un trabajo compositivo extremadamente intenso e inteligente, apasionado y cálido como pocos Uno de los mejores de los últimos tiempos.

Sound Is

Bill Laswell - Invisible Design II (2009)

Secuela del disco “Invisible Design” de 1999, este nuevo trabajo del bajista estadounidense Bill Laswell, sigue ahondando en el mismo concepto del anterior: placas austeras, personales y donde, en cierta medida, el bajo es utilizado para crear frecuencias recónditas y telúricas inspiradas en la música ambient, una corriente musical que el mismo Laswell ayudó a fundar y que con el tiempo ha profundizado uniéndola a ritmos y sonidos provenientes del dub y la música experimental.

Recordemos que el bajista participó en uno de los discos fundacionales del género, “Ambient 4: On Land” de Brian Eno y que de ahí en adelante, ha evolucionado esta tendencia contemplativa de la electrónica, en proyectos como Divination y en álbumes solistas. De este modo, ambas versiones de “Invisible Design”, se alejan de otros discos para las cuatro cuerdas del prolífico músico más enfocados al jazz, como “Baselines”.

Armado solamente de sus bajos de cuatro y ocho cuerdas, de una barra de efectos y de una caja de distorsión, el inabarcable músico va superponiendo y manipulando capas de sonido creadas por distintas técnicas en el instrumento, mostrándose como un multifacético intérprete y compositor... (seguir leyendo)

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Crimson Jazz Trio - King Crimson Songbook volume 2 (2009)

La idea de un grupo musical creado para homenajear a otro, puede que parezca en una primera instancia más de lo mismo: otra banda tributo que sólo interpreta las composiciones tal cual son. Pero cuando este grupo reinventa cada uno de los cortes, entregándoles nuevos pasajes, direcciones y en definitiva un nuevo estilo, la escena cambia completamente.

Este es el caso de Crimson Jazz Trio, una agrupación creada con el fin de interpretar por medio del lenguaje del jazz el amplio y variado repertorio de King Crimson. El trío aborda cada uno de los cortes como verdaderos standards, reinterpretándolos, entregando a cada uno de ellos un sentido totalmente distinto, por medio de las diferentes formas y ritmos en los que son ejecutados, todos dotados de intrépidas e intensas improvisaciones, las cuales llevan la composición a un escenario completamente diferente y, por ende también, son extendidos a un público distinto.

Después de cuatro años de aparecido el gran disco debut del trío, “King Crimson Songbook: Volume One”, las expectativas y ganas de escuchar una segunda entrega, fueron acrecentando con el paso del tiempo. Las excelentes versiones de los clásicos del Rey Carmesí, se transformaron sin duda un deleite sonoro formado por piezas elegantes, enérgicas, frescas e intensas... (seguir leyendo)

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Alamaailman Vasarat - Huuro Kolkko (2009)

El quinto trabajo de la original banda finlandesa Alamaailman Vasarat, se trata de un disco conceptual el cual interpreta por medio de la música, una entretenida historia de aventuras y expediciones para homenajear a un explorador finlandés de principios de 1900 llamado “Huuro Kolkko”.

La génesis del proyecto se remonta al año 2008, cuando un seguidor de la banda contactó a sus integrantes para mostrarles una interesante colección de insectos, notas y fotos, pertenecientes al explorador, las cuales había obtenido por medio de una herencia. Entre la colección se encontraba además muestras de flora, estudios de culturas locales, mapas de lugares nunca visitados por el hombre, tales como islas y un pequeño continente.

Haciendo la analogía con el continente creado por el grupo en “Vasaraasia”, disco debut del año 2000, este admirador del grupo, pensó que los músicos podían encontrar en estos registros, material interesante para utilizar en la creación de nueva música. De esta forma al conocer esta colección la banda respondió y accedió inmediatamente... (leer completo)

Huuro Kolkko!

Fulano - En el Bunker (1989)

Para celebrar el regreso de esta gran banda chilena les dejo una de sus joyitas.




Fulano es una de esas grandes sorpresas que ha dado vida la escena musical chilena: un grupo que a pesar de ser popular, sólo la inmensa minoría ha tenido la suerte de disfrutar. Una excelente propuesta compuesta por seis grandes músicos, partiendo por el irónico planteamiento de Cristián Crisosto en saxos, los rockeros y enérgicos bajos de Jorge Campos, la potencia y certeza de Willy Valenzuela en batería, la deleitante voz de Arlette Jequier, los volátiles e inteligentes teclados de Jaime Vivanco y los precisos solos de saxo de Jaime Vásquez.

De los cuatro discos de estudio grabados por la banda en 20 años de trayectoria, “En el Bunker”, el segundo álbum, es sin duda el más emblemático. Sus sarcásticas letras en contra del sistema y la dictadura, respaldadas por una potente y original propuesta musical, convirtieron a Fulano en una banda de culto, uno de los grupos pilares de la vanguardia chilena y por supuesto, en un referente obligado al hablar de la historia de la música popular de nuestro país.

El álbum originalmente salió a la luz en dos cassettes convirtiéndose en el primer trabajo musical de más de 100 minutos grabado en Chile. Sus carátulas, una roja y otra azul, tenían la imagen del cañón de un tanque, la cual fue reemplazada en su edición para cedé del año 94, por una foto de una puerta metálica bajo varios candados. En esta versión también quedaron fuera tres grandes piezas llamadas “¿Y ahora, qué?”, “No me gusta que se metan conmigo” y “Que o la tumba serás”... (leer completo)

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David Fiuczynski - Kif Express (2008)

El último trabajo de David "Fuze" Fiuczynski, lanzado en noviembre del año 2008.

David Fiuczynski: fretted and fretless guitar
Skoota Warner: drums
Steve Jenkins: bass
Daniel Sadownick: percussion (2, 3, 4, 9, 10)
Mike Rivard: acoustic bass (7)
Jim Funnell: keyboards (4, 9)
Nikolay Moiseenko: saxophone (4, 9)
Bertram Lehmann: drums (7)
Geni Skendo: shakuhachi (11)

1. Shiraz
2. Moonring Bacchanal
3. Sakura - Ying Hua
4. Cumin
5. Habibi Bounce
6. Fung Wah Express
7. Arcadia Finlandis
8. Phoenix Rising
9. Almand Pear
10. Ek Balaam
11. Sakalahachi

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MMW - Radiolarians II (2009)

El trío Medeski Martin & Wood, acaba de lanzar al mercado el pasado mes de abril, la segunda parte de la trilogía de discos de la serie Radiolarians. Esta, llamada en un comienzo “Viva la Evolution – The Radiolarians Series”, marca en el grupo una nueva concepción de trabajo y producción musical.

La nueva forma de trabajo permite exprimir al máximo el característico dote y virtud improvisadora del trío, con cada una de las composiciones desarrolladas con total libertad y en donde la respuesta del público en vivo frente a la música que se les entrega, ha jugado un papel importante en el desarrollo, evolución y giro que ha ido tomando cada uno de los cortes en las distintas presentaciones. De esta forma, una parte de los temas presenciados en vivo en su paso por nuestro país el año pasado, forman parte de lo que es “Radiolarians II”.

Entrando en materia con el disco, desde un principio en el corte “Flat Tires”, el trío comienza de golpe con la energía que los caracteriza: un riff de bajo inquieto y distorsionado, una tentativa y exploratoria incursión de batería y teclados, para luego entrar con fuerza a lo que es la pieza, la cual varía entre aires enigmáticos, de sonidos y percusiones trabadas, mientras, por otro lado, presenta toda la soltura y poderío inconfundible... (leer mas)

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MMW - Radiolarians I (2008)

Invirtiendo el proceso tradicional de la industria en lo que respecta a la creación, grabación y promoción, el trío jazz-funk más prendido del planeta se sale con las suyas con esta nueva trilogía de discos, inaugurada con este primer volumen de The Radiolarian Series. Para esta nueva empresa musical, MM&W en vez de componer, grabar y salir de gira como es lo típico, primero escribe, luego realiza el tour y finalmente, registra el material, tergiversando el orden lógico del sistema por un motivo muy simple. Al ser una banda de tradición libertaria jazzera, los temas van mutando y alcanzan su máxima expresión, cuando son interpretados en vivo. Sólo en ese momento, tras ser tocados una y otra vez frente al calor y la energía de los fans, las ideas musicales encajan a la perfección y toman al fin, su forma definitiva. En ningún caso antes.

John Medeski lo explica mucho mejor: “La banda no gira alrededor de las canciones en si, sino alrededor del "feeling" que surge al tocar esas canciones en vivo”. Por eso decidimos encarar este proyecto de una manera distinta, dado que cuando grabábamos un disco, entre que lo entregábamos a la discográfica, era lanzado al mercado y lo presentábamos en vivo, habían pasado varios meses y las canciones en vivo habían evolucionado, y se habían convertido en algo distinto con espíritu propio".

De este modo, MM&W expone primero el *esqueleto de las canciones y las hace evolucionar, sudar y las lleva hasta las últimas consecuencias, alimentándose de la energía y la comunicación que surge entre la banda y el público. Por lo demás, fenómeno que acá en Chile se ha podido comprobar en dos oportunidades. Tampoco el nombre de los discos es casualidad, sino que se relaciona con este concepto. Radiolarians son unos protozoos que producen *esqueletos de minerales extremadamente hermosos, que desafían procesos biológicos normales. Lo mismo que MM&W en esta nueva etapa creativa... (seguir leyendo)
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Mountains - Choral (2009)

Mountains es el nombre del proyecto formado por Brendon Anderegg y Koen Holtkamp, dos amigos reunidos desde la época del colegio, por intereses musicales en común. El fruto de esta comunión dio como resultado la creación del sello discográfico independiente Apestaartje, el año 98. Posteriormente, como una forma de encauzar y presentar la creación musical generada por ambos nace Mountains, debutando discográficamente el año 2005 con un disco homónimo, seguido el 2006 por “Sewn”, ambos bajo el sello antes mencionado.


“Choral” corresponde al tercer álbum del dúo y el primero bajo el renombrado sello Thrill Jockey. Los seis cortes que lo componen fueron grabados en vivo varias veces, eligiendo posteriormente las mejores tomas para el disco, a las cuales se les agregó algunos doblajes para crear un efecto coral en la música resultante. Las piezas basadas en instrumentos acústicos, son fundidas en algunas ocasiones junto a grabaciones reales de diferentes sonoridades y sutiles secuencias electrónicas... (seguir leyendo)

Kieran Hebden & Steve Reid - NYC (2008)

Más de 30 años de experiencia separan las vidas de Steve Reid y Kieran Hebden. El primero una legenda viviente del jazz quien ha compartido, entre otros, con Miles Davis, James Brown, Fela Kuti, Su Ra y Ornette Coleman, y el segundo, más conocido como Four Tet, uno de los más importantes personajes de la electrónica actual.

La alianza entre estos dos músicos nace un par de años atrás, gracias al contacto de un amigo en común. Por una lado Hedben tenía la inquietud por experimentar con los intensos diálogos del free jazz sesentero y, por otro, Reid mostraba ganas de trabajar con las texturas de la electrónica, además de ser un admirador de la música de Four Tet. De esta forma y, luego de un par de sesiones de improvisación en vivo, salió a la luz pública el año 2006 la primera grabación de esta colaboración llamada “The Exchange Session”, dividido en dos volúmenes, seguido el año 2007 por “Tongues”.

“NYC”, el cuarto disco editado por el dúo, corresponde a un homenaje que Steve Reid quiso rendir a su ciudad natal Nueva York. De esta forma, cada uno de los seis cortes llevan el nombre de distintos lugares de la ciudad y buscan representar el sonido, el caos y energía que los caracterizan.

Grabado en dos días en los estudio Avatar en Manhattan en febrero del 2008, las composiciones del álbum reflejan en su totalidad la expedita comunicación y creatividad lograda por el dúo a lo largo de estos años, además de la complicidad al momento de manejar las dinámicas e intensidades de ritmos desbordantes y densas secuencias...(seguir leyendo)

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Fennesz - Black Sea (2008)

Luego de cuatro años desde su último trabajo solista “Venice” del 2004, por supuesto sin contar las colaboraciones y proyectos desde aquel año hasta la fecha con músicos como Ryuichi Sakamoto, Otomo Yoshihide, Keith Rowe y Mike Patton, el austriaco Christian Fennesz regresa con “Black Sea”, un disco que en términos generales se compone de nueve cortes en los que predomina la tranquilidad de atmósferas envolventes, tonos y paisajes de grises atardeceres contemplativos y melancólicos.

El perfecto tratamiento sonoro, en donde hasta el ínfimo vestigio de sonido es sutil y correctamente manipulado, donde incluso los momentos más caóticos y ruidosos logran sonar agradables y refinados para el oído, crean como es costumbre en la música del austriaco, exquisitas texturas etéreas, ambientes abstractos y oníricos, cargados de matices sonoros invernales y gélidos altamente intensos y conmovedores...(seguir leyendo)

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Mercury Rev - Snowflake Midnight (2008)

A lo largo de una carrera de veinte años, la banda estadounidense Mercury Rev, ha pasado por altos y bajos importantes, los que claramente, han ido marcando el desarrollo evolutivo de sus composiciones. Por un lado, los cambios de integrantes y por otro, la concepción de discos con comentarios muy disímiles por parte de la crítica y sus seguidores. Por ejemplo, en un extremo está el caso del alabado y ultra valorado “Deserter’s Songs” del año 98 y en el otro, el más reciente “The Secret Migration” del año 2005, catalogado simplemente como uno de los peores realizados por el grupo.

De esta forma, en el año 2008 la banda actualmente formada por Jeff Marcel en teclados y batería, Grasshopper en guitarra y la inconfundible voz de Jonathan Donahue, regresan a escena con un álbum titulado “Snowflake Midnight”. A diferencia de sus antecesores, el cedé marca un cambio en la forma de abordar las composiciones las cuales incluyen, en esta ocasión, una gran dosis de electrónica, pero manteniendo intacta la esencia de experimentación sonora del grupo... (seguir leyendo)

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Mercury Rev - Strange Attractor (2008)

“Strange Attractor” es la segunda entrega de Mercury Rev del año 2008. Un disco lanzado gratuitamente en forma paralela a “Snowflake Midnight”, según los propios integrantes de la banda, como una forma de abaratar los costos para los fans al momento de comprar un posible disco doble. Es así como nace la idea de dividir el trabajo compositivo creado en dos álbumes independientes, regalando esta segunda parte, por medio de la página web del grupo, por el sólo hecho de inscribirse en el mailing list.

Los doce cortes que componen “Strange Attractor”, se caracterizan en una primera instancia, por ser cien por ciento instrumentales, los cuales en su mayoría sugieren ambientes mucho más densos y enigmáticos que los de “Snowflake Midnight”. Acá nos encontramos con composiciones menos pretenciosas y apoteósicas, y a mi gusto, más nobles y sublimes, en donde las secuencias electrónicas por momentos son dejadas lado, para dar paso a una experimentación de efectos sonoros mucho más libre y abstracta... (leer mas)

www.mercuryrev.com

E.S.T. - Leucocyte (2008)

Una de las pérdidas más significativas este año para el mundo del jazz y la música en general, fue la inesperada y sorpresiva muerte del pianista sueco Esbjörn Svensson a los 44 años de edad, mientras se encontraba buceando en las costas de Estocolmo el pasado 15 de junio.

El líder del grupo Esbjörn Svensson Trio, más conocido como E.S.T., junto a sus compañeros Magnus Öström en batería y Dan Berglund en contrabajo, se posicionaron a lo largo de una carrera de quince años, como uno de los grupos emblemáticos de las nuevas generaciones jazzísticas. Su característico sonido compuesto principalmente por una mezcla de rock, pop, electrónica, música docta y por supuesto jazz, quedó plasmado en una discografía de once álbumes y un DVD en vivo grabado en su país natal Suecia.

Una de las costumbres del trío durante sus giras, era arrendar en los distintos lugares visitados una sala de grabación en la cual se reunían a improvisar y dar rienda suelta a la imaginación e inquietudes musicales. De esta forma se originaron varias ideas y composiciones de discos anteriores. Asimismo, el nuevo álbum llamado “Leucocyte”, es el resultado de dos días de improvisación registrada en Sydney durante una gira por Australia el año 2007 y corresponde al primer disco de E.S.T. de improvisación pura.

El trabajo completo, como resultado final con carátula y fotos incluidas, fue entregado al sello el 16 de mayo de este año, justo un mes antes de la muerte del pianista, y estaba destinado a lanzarse en septiembre. Aún después de lo ocurrido, el plazo fue respetado y la fecha de edición se convirtió en una de las más esperadas por miles de seguidores alrededor del mundo... (seguir leyendo)

Leucocyte!

Valparaíso Rock - Volumen 2 (2008)

Acá el segundo compilado de bandas de la región de Valparaíso, entre ellas:
La Floripondio, 8 Bolas, Chinoy, Guacho Riquelme, Sórdido y los amigos quilpueínos de Achira!

Valpo rock!

RADIOHEAD EN CHILE!!

fuente: DG Medios

Portishead - Third (2008)

No hay duda que uno de los sucesos musicales más importantes del año, es la reunión de los británicos Portishead. Una banda que inició su carrera a comienzos de los 90 y que con sólo dos álbumes en estudio, se transformó en un grupo al mismo tiempo masivo y de culto. Una de las bandas emblemas del denominado trip hop junto a Tricky y Massive Attack, está de vuelta luego de 10 años desde su última entrega discográfica: “PNYC”, la excelente grabación en vivo del año 98.

De esta forma, Geoff Barrow, Adrian Utley y la inconfundible voz de Beth Gibbons, regresan con el nuevo y esperado disco titulado gráficamente, “Third”. Un álbum de 50 minutos de duración, en donde la banda, en once cortes, entrega un trabajo que tiene como mérito la apuesta por un sonido nuevo que poco tiene que ver con sus antecesores, pero que mantiene intocable el sello inconfundible de la banda. Una placa envolvente, lóbrega y densa, que deja de lado los scratch para concentrarse mayormente en guitarras, batería y teclado, con algunos momentos de duras secuencias electrónicas, que demuestran cómo el trío logró reinventarse a lo largo de estos años de ausencia... (leer mas)

Third!

Bill Bruford & Michiel Borstlap - In Two Minds (2008)

Un nuevo registro de las intensas reuniones sonoras entre el pianista holandés Michiel Borstlap y el legendario baterista inglés Bill Bruford, llega para deleitar nuestros oídos con exquisitas historias musicales resultantes de las improvisaciones que el dúo fue creando en una serie de conciertos en Noruega e Inglaterra, los años 2006 y 2007 respectivamente.

“In Two Minds” corresponde al segundo disco editado por los músicos. El sucesor de “Every Step A Dance, Every Word a Song” y el dvd “Live in Holland”, ambos del 2004, nos propone un concepto musical plasmado literalmente en su portada y su nombre, que hace alusión al concepto de dos mentes; dos concepciones musicales distintas; dos almas que al momento de conectarse musicalmente se fusionan como si solo fueran una. Sin duda un bello concepto que claramente esta esculpido en los sonidos entregados por los músicos... (leer mas)
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Tony Grey - Chasing Shadows (2008)

Tony Grey (Bass); Oli Rockberger (Piano); Tim Miller (Guitar); Lionel Loueke (Guitar, Vocals); John Shannon (Guitar); Hiromi (Piano); Gregoire Maret (Harmonica); Elliot Mason (Bass Trombone, Trumpet); Ron Bruner Jr (Drums); Chris Dave (Drums); Martin Valihora (Drums); Bob Reynolds (Tenor and Soprano Sax); Dan Brantigan (Trumpet)


1 Chasing Shadows
2 Walking in Walking Out
3 Guiding Light
4 No Mans Land
5 Don't Look for Love
6 Peace of Mind
7 Dark Within
8 One of Those Lives
9 Where Does It End

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Brad Mehldau Trio - Live (2008)

A lo largo de su carrera, el pianista Brad Mehldau ha ido dejando en claro que es uno de los grandes exponentes del jazz actual. Los quince discos propios, más sus colaboraciones con otros grandes del género como Joshua Redman, John Scofield, Michael Brecker, Charlie Haden, Chris Potter, solo por nombrar algunos, marcan una exitosa carrera que se ha venido forjando desde comienzos de los años 90, con un joven músico, que en ese entonces, recién pasaba la barrera de los 20 años.

El nuevo álbum del reconocido trío de Brad Mehldau, compuesto además por Larry Grenadier en contrabajo y Jeff Ballard en batería, recoge una grabación en vivo registrada en el Village Vanguard de Nueva York entre los días 11 y 15 de octubre del año 2006, recopiladas en dos discos los cuales presentan de forma exacta dos sets en el mismo orden en que fueron presentados.

El repertorio está compuesto por doce composiciones de las cuales cinco corresponden a la autoría del pianista y el resto son tomadas de distintos músicos y compositores como John Coltrane, Jimmy Heath, Ray Noble, entre otros. Además, como es habitual en las presentaciones en vivo de Mehldau, se incorpora también repertorios del rock contemporáneo, tal como lo hemos escuchado en varias ocasiones con canciones de Radiohead. Sin duda una característica muy atrayente del pianista quien se ha matriculado con elegantes interpretaciones, dotadas de una nueva visión y texturas, integrando al jazz lo que podríamos llamar como nuevos standars, con la particularidad de que provienen del rock...(leer mas)
CD1

Dub Trio - Another Sound Is Dying (2008)

El power trío formado por Joe Tomino en batería, Stuart Brows en bajo y D.P. Holmes en guitarra, es una banda que fusiona de manera perfecta potentes riffs tomados del hard rock y el metal, la velocidad y energía del hardcore punk y la psicodelia del noise con toda la onda y el espíritu del dub, estilo jamaicano creado bajo el alero del reggae, del cual a grandes rasgos mantiene su particular base de bajo y batería y se le sobreponen variados sonidos reverberantes y volátiles.

De esta forma el exclusivo sonido de Dub Trio se forja mayormente en base a pujantes riffs, con cortes instrumentales en donde no existe una melodía ni solos de guitarras, sino que sólo mucha energía y predominio. Esta característica a simple vista puede parecer riesgosa y simplona, pero contradictoriamente y con un fundamento de peso, ha llevado al grupo a posicionarse como uno de los más innovadores y frescos de los últimos años. En efecto, el mismo Mike Patton invitó al trío a participar en uno de los cortes del disco de Peeping Tom, incluyéndolos posteriormente, (a partir de este disco), en uno más de los artistas fichados por su sello discográfico Ipecac... (leer mas)
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